Auguste Renoir - Pictorul Claude Monet in grădina Argenteuil

Pierre-Auguste Renoir – date esenţiale despre artist

Pierre-Auguste Renoir s-a născut la data de 25 februarie 1841 in Franta si moare la data de 2 decembrie 1919.http://visualcage.ru

Este un important reprezentant al mişcarii impresioniste .

Cele mai importante capodopere ale acestuia sunt “Bal la Moulin de la Galette”, “Dejunul canotierilor” , “La malul mării”, “Marile baigneuses”, “Monet pictând în grădina din Argenteuil”, seria “ Fata împletindu-şi părul”, “Două surori” şi “Pont Neuf, Paris”.
Contemporani cu Renoir au fost Claude Monet, Alfred Sisley, Paul Cézanne, Édouard Manet şi Camille Pissarro.

Carol Căpiţă şi Alin Ciupală spun în „Istoria Artei şi a Arhitecturii” despre Auguste Renoir :

„(…) pictor prolific (din lucrările realizate în şase decenii de activitate, s-au păstrat aproximativ 6.000 […]) se deosebeşte de ceilalţi impresionişti prin faptul că nu dispreţuieşte tradiţia, operele antecesorilor servindu-i ca model în perioada de formare artistică. De la aceştia a preluat fascinaţia pentru nudul feminin, dar, asemenea impresioniştilor, este sensibil şi la subiectele din natură sau la cele din viaţa oraşului.”

Auguste Renoir - Pictorul Claude Monet in grădina Argenteuil

self-portrait_by_Edgar_Degas

Capodopere de Edgar Degas – Tablouri canvas reproduceri de arta

self-portrait_by_Edgar_DegasEdgar Germain Hilaire Degas (n. 19 iulie 1834, Paris – d. 27 septembrie 1917, Paris) a fost un pictor francez, unul dintre fondatorii impresionismului. El este cel mai bine cunoscut pentru seria dansatoarelor si balerinelor, dar foarte importante pentru istoria picturii sunt si scenele de gen (ex. seria de lucrari cu femei iesind din baie) sau cursele de cai. Foarte multe dintre lucrarile sale sunt in pastel, dar cele mai importante sunt uleiuri. Cod: DEG

Capodoperele lui Degas sunt:

  • Dansatoare pe scena (L’Etoile)
  • Clasa de dans (Lectia de balet) – cu doua variante extrem de diferite
  • Absintul
  • Cantareata la cafenea
  • La palarier (serie)
  • Repetitie de balet pe scena
  • Asteptare
  • Scoala de dans
  • Bursa de bumbac din New Orleans
  • Femeie pieptanandu-si părul (pastel)
cezanne

Capodopere de Cezanne – Tablouri canvas reproduceri de arta

cezannePaul Cézanne (1839-1906) este unul dintre reprezentantii cei mai importanti ai impresionismului si postimpresionismului, si un important precursor al cubismului. Cele mai valoroase sunt operele din perioada tarzie a creatiei (in ultima decada a secolului 19 si cele de dupa 1900) in care dezvolta un stil analitic si cromatic, ilustrand o plasticitate pura, in care obiectele pictate isi pierd substanta in favoarea texturii cromatice si a liniei ferme.

Cele mai importante tablouri ale lui Paul Cezanne sunt:

  • Jucatorii de carti (serie)
  • Marile baigneuse
  • Mere si biscuiti (si o ampla serie de naturi statice in care elementul central este reprezentat de mere geometrizate cromatic; „merele lui Cezanne” au fost o sursa de inspiratie si pentru cei mai importanti reprezentanti ai postimpresionismului din Romania)
  • Muntele Sainte-Victoire (serie)
  • Cortina, ulcior si cos cu fructe
  • Natura moarta cu cortina
BruegelPortrait

Capodopere de Pieter Bruegel cel Batran – Tablouri canvas reproduceri de arta

alias: Pieter Bruegel de Oude, Pieter Bruegel (Brueghel) the Elder, Pieter Brueghel, Bruegel, Breugel, Pieter Bruegel der Ältere

Pieter Bruegel cel Bătrân (n. ca. 1525, Kempen – d. 18 septembrie 1569, Bruxelles) este cel mai important pictor flamand si unul dintre reprezentantii majori ai Renasterii. El este, alaturi de Hieronimus Bosch si Albrecht Durer, cel care a configurat stilul si tematica Renasterii nordice, ca fenomen cultural ingemanat, dar si opus Renasterii mediteraneene. Este unul dintre creatorii care au influentat decisiv arta si gandirea Occidentala in perioada formarii ei, la sfarsitul Evului Mediu.

BruegelPortrait

Principalele opere ale lui Bruegel sunt:

  • Vanatorii in zapada
  • Peisaj cu prabusirea lui Icar
  • Proverbe olandeze
  • Nunta taraneasca
  • Turnul Babel
  • Triumful Mortii
  • Orbi condusi de orbi
  • Culegatorii de spice / Seceratorii
  • Adunatul fanului
  • Dans taranesc
  • Jocuri de copii
  • Crucificarea lui Cristos (Calvarul)
BOT01C2

Capodopere de Sandro Botticelli – Tablouri canvas reproduceri de arta

BotticelliSandro Botticelli este unul dintre primii mari maestri ai Renasterii. Pe numele real Alessandro di Mariano Filipepi – (n. 1 martie 1445, Florența – d. 17 mai 1510, Florența). A fost inrudit cu familia pictorilor Filippino Lipi si a ramas in istoria artei pentru ample alegorii si pentru unele dintre cele mai frumoase portrete feminine, inca greu de egalat.

Capodopere de Botticelli prezente in Graficante Art Shop (reproduceri de arta):

Jheronimus_Bosch

Capodopere de Hieronymus Bosch – Tablouri canvas reproduceri de arta

Hieronymus Bosch : 1443-1516. Reprezentant al Renasterii nordice (prerenascentist). Contemporan cu Stefan cel Mare.

Pentru detalii despre pictor, vezi: Hieronimus Bosch – opera si referinte

Opere esentiale:

Capodopere de Bosch prezente in Graficante Art Shop (reproduceri de arta):

Car cu boi, de Nicolae Grigorecu, pictura in ulei din Galeria Nationala de la Muzeul National de Arta al Romaniei

Picturi celebre romanesti: Nicolae Grigorescu, „Car cu boi”

„Carele cu boi” reprezinta o numeroasa serie de lucrari, cea mai ampla din pictura romaneasca. Cele mai multe lucrari de acest gen sunt semnate de Nicolae Grigorescu. Nu este insa singurul, multi alti pictori romani abordand aceasta tematica, unii inaintea lui Grigorescu, altii copiindu-l pe Grigorescu. Pe plan international, tablouri idilice centrate pe care cu boi au aparut de la primii peisagisti englezi, iar in Rusia si Ucraina tema a avut o oarecare popularitate la sfarsitul secolului XIX.

In lipsa unui catalog cu toate lucrarile lui Grigorescu, nici nu se cunoaste cu exactitate numarul „Carelor cu boi” pe care acest artist le-a realizat. Tehnicile artistice sunt si ele divrese, atat schite in creion, cat si desene complexe in carbune si penita, dar, mai ales, picturi in ulei, pe lemn sau pe panza. In ultimii ani, picturi cu aceasta tematica au aparut cu regularitate in salile de licitatii din Romania si din strainatate, cu un ritm de minim 1 pe luna la un moment dat. Recordul international al celui mai cunoscut pictor roman este reprezentat de un car cu boi vandut la Bonhams in 2011. Cel mai scump tablou tematic este „Intoarcerea de la targ” vandut la Artmark, in Bucuresti, cu 210.000 de euro. Un alt tablou de Grigorescu care contine un car cu boi, dar are o compozitie mai complexa, este „Carciuma la Rucar” si s-a vandut in licitatii cu 230.000 de euro. Curentul artistic reprezentativ pentru carele cu boi ale lui Nicolae Grigorescu este impresionismul, iar din punct de vedere cultural ele se incadreaza in directia samanatorista lansata de bunul sau prieten Alexandru Vlahuta. Acesta a fost si proprietarul lucrarii „Carciuma la Rucar”, citata mai sus.

Mai multe lucrari de Nicolae Grigorescu din seria carelor cu boi, atat desene, cat si picturi, sunt clasate in Patrimoniul National. Parte dintre acestea se afla in muzee (in primul rand la Muzeul National de Arta al Romaniei – Palatul Regal), altele sunt in colectii private.

Una dintre cele mai notorii versiuni se intituleaza „Car cu boi” (foto) se afla la MNAR in colectia Galeria Nationala si provine din donatia dr. Ovidiu Xenakis (foto). Tehnica este ulei pe panza.

Car cu boi, de Nicolae Grigorecu, pictura in ulei din Galeria Nationala de la Muzeul National de Arta al Romaniei

Car cu boi, de Nicolae Grigorecu, pictura in ulei din Galeria Nationala de la Muzeul National de Arta al Romaniei

Atacul de la Smardan, versiunea clasata in Patrimoniul National

Picturi celebre romanesti: „Atacul de la Smardan” de Nicolae Grigorescu

Aflata in proprietatea Muzeului National de Istorie a Romaniei, cea mai cunoscuta varianta a picturii lui Nicolae Grigorescu „Atacul de la Smardan” este una dintre capodoperele artei vechi romanesti si, probabil, cea mai importanta opera de arta romaneasca aflata inca pe teritoriul Romaniei (excluzand, deci, operele lui Brancusi).

Atacul de la Smardan, versiunea clasata in Patrimoniul National

Pictura „Atacul de la Smardan” are trei versiuni in ulei (dintre care singura de foarte mari dimensiuni este cea de la Muzeul de Istorie) si mai multe crochiuri in creion aflate la Muzeul National de Arta si in colectii private.

Cea mai importanta dintre versiunile „Atacului…” se afla, conform bazei de date CIMEC, in proprietatea Muzeului National de Istorie a Romaniei si este clasat in Patrimoniul National, sectiunea Tezaur. Opera (foto sus) are o suprafata de peste 10 mp. Ea se afla insa  in custodia Muzeului de Istorie a Municipiului Bucuresti. Un studiu de foarte mari dimensiuni al picturii se afla la Muzeul National de Arta, in Galeria Nationala, iar alte versiuni cunoscute sunt la Craiova (in Muzeul de Arta Jean Mihail – foto jos) si una intr-o colectie privata din Ploiesti.

smardan grigorescu craiova

Tabloul „Atacul de la Smardan”, versiunea clasata, a fost comandat pictorului Nicolae Grigorescu de catre Primaria Bucuresti. In realizarea tabloului, Grigorescu a folosit crochiuri si schite realizate in timpul razboiului de Independenta, cand a fost atasat campaniei romanesti din Bulgaria ca pictor oficial.

Valoarea artistica a tabloului este data de complexitatea si dinamismul compozitiei si de efectul dramatic al folosirii culorilor, cu o mare dominanta de griuri si tonuri desaturate, utilizate pentru a transmite senzatia de frig si anxietatea provocata de lupte. Accentele de culoare folosite de Grigorescu pentru detalii sporesc dramatismul si contureaza dimensiunea umana a personajelor, dar si eroismul pe care acestea il dovedesc.

„Jucatorii de carti” de Paul Cezanne

Versiuni:

  1. Varianta de la Barnes Museum (1890-1892), Philadelphia, SUA
  2. Varianta de la Matropolitan (1890-92), New York, SUA
  3. Varianta de la Muzeul Orsay (1894-95), Paris, Franta
  4. Varianta de la Coulthard Institute Londra, Marea Britanie
  5. Varianta Georgios Embiricos, aflata in Doha, Qatar

Celebritatea si valoarea seriei de cinci picturi “Jucatorii de carti / Card players” de Cezanne se datoreaza etapelor de abstractizare succesiva. Seria este considerata locul de nastere a cubismului. Tabloul, ca tematica, este o scena de gen. Formalismul triumfa asupra subiectului, personajele sunt statuare, numarul lor se reduce, fundalul (clar si detaliat in prima varianta) devine un sfumato, totul – obiecte si oameni – trecand printr-o distilare metafizica. Scena isi pierde radacinile de satira morala si devine o metafora polisemantica. Varianta de la Muzeul Orsay, a treia in serie, reluata destul de fidel in versiunea 5 (Qatar), prezinta un stadiu aproape complet de abstractizare si este opera cea mai recognoscibila din serie. Fiind singura varianta aflata in proprietatea statului francez, versiunea de la Muzeul Orsay a beneficiat de o larga promovare institutionala, devenind iconica pentru intreaga serie.

Versiunea 5 a tabloului a fost vanduta intr-o tranzactie privata in 2011, iar pretul realizat (confidential, dar situat intre 250 si 300 de milioane de dolari) este un record absolut pentru vanzarile de arta.

Reproduceri dupa tablourile din serie – vanzari online

 

 

„Concertul din ou” de Hieronimus Bosch

 

Artist: (dupa) Hieronimus (Hyeronimus / Jheronimus / Jérôme) Bosch (‘s-Hertogenbosch) (cca 1453–1516)

Dimensiunile originalului : 108 × 126,5 cm
Tehnica originalului: pictura in ulei pe panza.
Data: cca 1561
Curentul artistic: renasterea nordica

Considerata initial o opera autentica de Bosch, pictura “Concertul in ou” este apreciata astazi ca o copie a unui discipol realizata dupa o pictura pierduta a maestrului. Ca element de autenticitate (si ca dovada ca nu este opera unui simplu imitator) exista desene autentificate ale lui Bosch in care apare schita lucrarii. Opera face parte din seria de picturi satirico-religioase esoterice si moraliste ale pictorului renascentist.


Originalul operei „Concertul in ou” / „Zangers en musici in een” ei se afla in Palatul Artelor Frumoase din Lille. Link spre siteul muzeului.

Reproduceri dupa opera – vanzari on line

Lot-7-Klimt-Litzlberg-am-Attersee

2011 – Topul mondial al vanzarilor de arta (in licitatii)

1. Qi Baishi, “Vultur pe o creangă de pin”, 57 mil. de dolari (casă de licitaţii chineză)
2. Wang Meng, “Pictorul Zhi Chuan pemunte”, 55,3 mil. de dolari, (casă de licitaţii chineză)
3. Clyfford E. Still, “1949-A-Nr. 1”, 55 mil. de dolari (Sotheby’s)
4. Roy Lichtenstein, “Pot să văd întreaga cameră!… şi nu e nimeni în ea!”, 38,5 mil. de dolari (Christie’s)
5. Francesco Guardi, “Veneţia, vedere de pe Podul Rialto privind spre nord…”, 38,3 mil. de dolari (Sotheby’s)
6. Xu Beihong, “Însămânţare într-o ţară paşnică”, 36,7 mil. de dolari (casă de licitaţii chineză)
7. Pablo Picasso, “Lectura (1932)”, 36,3 mil. de dolari (Sotheby’s)
8. Gustav Klimt, “Litzlberg pe Attersee”, 36 mil. de dolari (Sotheby’s) (foto)
9. Egon Schiele, „Case cu lenjerii colorate (Suburbie II)“, 35,7 mil. de dolari (Sotheby’s)
10. Andy Warhol, “Autoportret (1963-1964)”, 34,3 mil. de dolari (Christie’s)

Sursa: Art Market Insight. Notă: nu au fost luate în calcul vânzările private

Note: O varianta a tabloului „Jucatorii de carti” de Paul Cezanne a fost vanduta in 2011 intr-o tranzactie privata cu o suma de 220 sau 250 milioane dolari (suma variaza in functie de taxele si comisioanele incluse si de sursa care face raportarea). Tabloul lui Cezanne a devenit cel mai scump vandut vreodata si a stabilit recorduri greu de egalat.

In 2012 recordurile de anul trecut au fost depasite din luna mai, cand „Strigatul” lui Munch a stabilit, la 119 milioane de dolari un nou record absolut pentru vanzarile in licitatii, iar licitatiile de arta contemporana de la Christie’s si Sotheby’s au dus mai multi artisti din ultimii ani peste cotele maximale ale anului trecut (Mark Rothko, Lichtenstein s.a,; vezi infra).

Picturi celebre romanesti (Galeria Anabasis)

Expozitia nr 3 a galeriei virtuale interactive 3D Anabasis este dedicata picturilor celebre romanesti, cuprinzand 60 dintre cele mai recognoscibile si mai importante opere din tara, din Patrimoniul National sau remarcate in licitatiile de arta. Sunt prezentate picturi de Nicolae Grigorescu, Andreescu, Aman, Luchian, Ressu, Tonitza, Petrascu, Darascu, Yor, Baltatu, Petrascu, Baltatu si Pallady, intr-un grupaj care acopera marile tematici ale picturii traditionale romanesti. Link spre Expozitia online Picturi celebre romanesti in sectiunea Galeria Anabasis.

„Cristos carandu-si crucea”, de Hieronymus Bosch, versiunea din Ghent

Artist: Jheronimus Bosch (Hieronymus Bosch) (c. 1450 – 9 August 1516)
Data: 1515-1516
Curentul artistic: renastere
Dimensiunile originalului : 74 cm × 81 cm
Materialele originalului: pictura in ulei pe lemn.

“Cristos carandu-si crucea” (De kruisdraging), versiunea din Ghent (1515-1516) este a treia si ultima dintre cele trei lucrari cu aceasta tema realizate de Hieronimus Bosch, celelalte doua versiuni (cu 25 de ani mai tinere) aflandu-se la Madrid si la Viena. Versiunea din Ghent este una dintre ultimele picturi ale maestrului renascentist si cuprinde multe dintre elementele definitorii pentru stilul lui Bosch: chipurile grotesti, simbolistica disimulata in accente vestimentare, esoterica imanenta si moralista. De notat ca lucrarea nu este semnata si exista istorici de arta care contesta atribuirea.

 

Originalul operei „Christos carandu-si crucea” (1515-1516) se afla in Muzeul de Arte Frumoase din Ghent (Museum voor Schone Kunsten, Ghent, Belgium). Link spre pagina picturii pe siteul muzeului belgian.

Reproduceri dupa detalii ale lucrarii – vanzari on line:

 

arles_orsay

„Camera din Arles” (versiunea din Muzeul d’Orsay) de van Gogh

arles_orsay

„Camera din Arles” (versiunea Orsay) este a treia si ultima versiune din cele trei realizate de Vincent van Gogh in 1888 si 1889. Avand codul “F483 / JH1793 – Réalisé à Saint-Rémy” in catalogul raisonne van Gogh, versiunea III (Orsay) a fost pictata in septembrie 1889, la fel ca si versiunea II (Chicago), la un an dupa prima versiune (Amsterdam). Diferentele intre cele trei versiuni sunt minime – detalii de compozitie, tonuri de culoare, dimensiunea lucrarii. Dupa ce daruise primele doua versiuni fratelui sau, Theo, bancherul care i-a finantat cariera artistica, Vincent van Gogh a realizat cea de a treia versiune pentru sora lui, aceasta fiind de dimensiuni mai mici cu 20 cm pe fiecare dintre laturi. Vezi versiunea 3, la inalta definitie HD

Valoarea artistica a lucrarii rezida in reinterpretarea regulilor renascentiste ale perspectivei. Ajustat de tusa sa ampla, cu pensula medie, in tehnica impasto, van Gogh deplaseaza spatiul pentru a pune accent pe culoare si pe textura sa materiala. Exercitiul tehnic pe care il exersase deja in numeroase peisaje, in care textura si pasta picturii inlocuisera perspectiva si clarobscurul obiectelor, devine un efect mult mai evident si mai puternic atunci cand este exersat asupra unui spatiu inchis, cu reguli clare in privinta liniilor de fuga, si cu obiecte comune, reduse la esenta lor cromatica. Cadrul tabloului este camera lui Vincent van Gogh din “casa galbena” din Saint-Remy, unde a locuit in perioada prieteniei sale cu Paul Gauguin. Pe pereti sunt recognoscibile mai multe portrete si peisaje de van Gogh, acestea fiind inlocuite in cele trei versiuni ale lucrarii. In ultima versiune, pe peretele din dreapta apare unul dintre autoportretele sale.
Pictura a intrat in proprietatea statului francez in urma tratatului de pace cu Japonia, dupa al doilea razboi mondial. Tabloul fusese cumparat in anii ’20 de un cetatean japonez rezident in Franta.

 

Originalul operei „Camera din Arles” / Slaapkamer te Arles / La Chambre à Arles / Bedroom in Arles (III)

se afla in Musee d’Orsay din Paris. Link spre pagina picturii pe siteul Muzeului d’Orsay.

Artist: Vincent van Gogh (1853-1890)
Data: 1889
Curentul artistic: impresionism
Dimensiunile originalului : 56,5 cm × 74 cm (fara cadru); 74,5×90,7 (cu cadru)
Materialele originalului: pictura in ulei pe panza.

Cumpara online reproduceri ale tabloului „Camera la Arles III”, de Vincent van Gogh in varianta:

 

Anabasis, galeria de arta 3d, prima expozitie: Picturi celebre


S-a deschis ANABASIS, Galeria 3D de arta online, fiind gazduita in folderul Basis al acestui site. Galeria va promova arta de calitate, romaneasca si internationala, contemporana sau a vechilor maestri.

In prima editie a Galeriei 3D Online va propunem o colectie de Picturi celebre, toate lucrarile fiind disponibile si la vanzare (reproduceri, evident) pe sectiunea ArtShop  a acestui site sau direct in Depozitul de Arta. Expozitia 3D digital va fi deschisa pana pe 7 aprilie 2012, data la care va fi inlocuita. Va invitam sa vizitati online expozitia LINK

IMPORTANT: Pentru navigare pe holurile galeriilor 3D veti putea folosi functia automata care starteaza imediat dupa incarcare sau puteti activa, apasand tasta Space, un modul de navigare manual, din sageti si din mouse.

„Sabatul vrajitoarelor” de Francisco de Goya

Artist: Francisco de Goya y Lucientes

Tehnica originalului: pictura in ulei pe panza.

Dimensiunile originalului : 43 cm x 30 cm

Data: 1797-1798

Curentul artistic: Romantism; Scoala spaniola

 

“Sabatul vrajitoarelor” (versiunea 1798) [ES: El Akelarre; EN: Witches’ Sabbath] este o pictura realizata de Goya, cu un pronuntat caracter polemic la adresa Inchizitiei spaniole, inca activa in epoca, dar si la adresa obscurantismului popular spaniol.

In centrul picturii se afla diavolul, cu infatisare de tap, care conduce o adunare a vrajitoarelor, aidoma unui preot, dar parodiind si inversand gesturile rituale. Un copil ii este oferit, iar cadavrele altor doi copii sunt vazute in tablou. Simbolistica folosita de Goya este brutala, de prima mana, ilustrand direct, aproape grosolan, imaginea creata si indusa in obscurantismul public. Tema adunarii vrajitoarelor avea sa fie reluata de pictorul spaniol in mai multe lucrari, inclusiv intr-o pictura cu un titlu similar din seria “picturilor intunecate” zugravite pe peretii casei sale din Madrid.


Originalul operei „Sabatul vrajitoarelor” se afla in Muzeul Fundatiei Lazaro Galdiano din Madrid, sala 13. Link spre pagina oficiala a picturii pe siteul Colectiei Lazaro Galdiano.

Reproduceri dupa tablou – vanzari online:

„Cainele in penumbra”, de Francisco Goya

“Cainele in penumbra” / “Cainele lui Goya” [ES: El Perro, Perro Semihundido; EN: A Dog, Head of a Dog, The Buried Dog, The Half-Drowned Dog, The Half-Submerged Dog, Goya’s Dog], este o pictura atribuita lui Francisco Goya si datata inainte de 1825. Pictura, astazi ulei pe panza, a fost initial o pictura murala (ulei pe tencuiala) in casa in care locuia Goya la inceputul secolului 19. Ea a fost transferata un secol mai tarziu, printr-o tehnica spectaculoasa prin care tencuiala a fost complet eliminata, iar stratul fin de ulei pictat a fost montat pe panza. Opera face parte din seria “picturilor intunecate” ale lui Goya (asupra carora atribuirea nu este absolut certa, ele putand fi realizate fie de Goya, fie de fiul sau, respectand stilul sau crochiuri ale tatalui).

“Cainele in penumbra” reprezinta o ruptura fata de stilurile picturii traditionale prin incadrare si prin compozitie, elemente reprezentative pentru stilul artistului spaniol. Pictura atrage prin incadrarea disproportionala, cu un cap de caine dominat de un cer tulbure, ocru. Fragilitatea animalului este subliniata prin pozitionarea acestuia in penumbra, astfel incat compozitia este discreta si, in acelasi timp, plina de forta, preigurand estetismul expresionismului.

Originalul operei „Cainele in penumbra”

se afla in Muzeul Prado din Madrid. Link spre pagina oficiala a picturii pe siteul Museo Nacional de Prado.

Artist: Francisco de Goya y Lucientes

Data: 1820 – 1823
Curentul artistic: Romantism; Scoala spaniola
Dimensiunile originalului : 131 cm x 79 cm
Materialele originalului: pictura in ulei pe panza (initial pictura in ulei – vopsea industriala – pe tencuiala*).

*) a nu se confunda cu frescatura care, fie umeda, fie “a secco”, presupune integrarea cultorii in tencuiala si se realizeaza cu o alta gama de pigmenti cromatici.

Cumpara online reproduceri ale tabloului „Cainele in penumbra”, de Francisco Goya
in varianta:

 

Madona Sistina, pictura de Rafael

 

Artist: Raffaello Sanzio da Urbino
Dimensiunile originalului : 265 cm × 196 cm
Tehnica originalului: pictura in ulei pe panza.
Data: 1513-1514
Curentul artistic: Renastere

“Madona sistina / Madona sixtina” [IT: La Madonna di San Sisto; Sistine Madonna; DE: “Die Sixtinische Madonna”] este o pictura de mari dimensiuni a lui Rafael, conceputa ca piesa de altar pentru manastirea San Sisto din Piacenza. Pictura, ulei pe panza, a fost considerata permanent de la aparitia ei una dintre cele mai mari capodopere ale artei renascentiste si a avut o influenta majora asupra artei iluministe din Germania, fiind cumparata in secolul 18 de un muzeu din Dresda.

Tabloul o reprezinta pe Feciara Maria cu pruncul, alaturi de sf. Barbara si de sf. Sixtus (Sisto, in italiana) intr-un peisaj celest, printre nori. La baza compozitiei sunt desenati doi heruvimi cu priviri amuzate. Opera a fost ultima pe care Rafael a pictat-o nemijlocit. Pictura a fost faimoasa imediat dupa aparitie, in 1514, iar in 1754 a fost cumparata cu un pret care, actualizat, ar depasi astazi recordurile pietei de arta: 110.000 de franci aur. Ulterior, a fost expusa in Dresda pana in al doilea razboi mondial cand a ajuns in posesia Armatei Rosii. Transportata in URSS a fost accidental expusa in Muzeul Puskin si, in cele din urma, a fost retrocedata catre RDG. Astazi este piesa principala a muzeului Gemäldegalerie Alte Meister din Dresda.

Originalul operei „Madona sistina”se afla in Galeria Vechilor Maestri (Gemäldegalerie Alte Meister) a muzeului Staatliche Kunstsammlungen din Castelul din Dresda. Link spre pagina tabloului pe siteul oficial al muzeului.

 

Reproduceri dupa opera – vanzari online:

 

“Tigru intr-o furtuna tropicala”, pictura de Rousseau Vamesul

Artist: Henri Rousseau

Dimensiunile originalului : 129.8 x 161.9 cm
Tehnica originalului: pictura in ulei pe panza

Data: 1891
Curentul artistic: Arta naiva / Primitivism

 

“Tigrul intr-o furtuna tropicala” / “Surprins!” [FR: Tigre dans une tempête tropicale / surpris!, EN: Tiger in a Tropical Storm / Surprised!], 1891, este prima dintre picturile cu tema junglei realizate de Henri Rousseau le Douanier. Artistul, cu stilul sau catalogat in epoca drept “infantil” a avut o mare influenta asupra unor pictori precum Picasso si Matisse, prefigurand stiluri importante din pictura moderna si post-moderna, incluzand fauvismul si arta naiva. “Surprins!” a fost probabil cea mai controversata pictura a sa, atat datorita sursei de inspiratie (pictorul creandu-si un trecut fabulatoriu in care explorase junglele din Mexic, unde vazuse tigri (sic!)), cat si prin excluderea panzei din salonul oficial pe motiv ca este prea violenta (desi prada pe care o ataca tigrul nu este desenata in tablou pictorul spunea ca tigrul ataca unul sau mai multi exploratori).


Originalul operei “Tigru intr-o furtuna tropicala”se afla in Galeria Nationala de Arta din Londra, camera 45. Link spre pagina oficiala a picturii pe siteul National Gallery London.

Reproduceri dupa tablou – vanzari online:

 

„Madona intre stanci” de Leonardo da Vinci, versiunea din Londra

Artist: Léonardo di Ser Piero da Vinci (Léonard de Vinci)

Titlul originalului: „Vergine delle Rocce@

Tehnica originalului:  ulei pe lemn

Dimensiunile originalului : 189.5 cm × 120 cm
Data: intre 1506 si 1508
Curentul artistic: Renastere

 

Exista doua versiuni aproape identice ale acestei picturi a lui Leonardo da Vinci, diferentele dintre ele fiind de amanunt si de gama cromatica. Prima se afla in Muzeul Louvre din Paris, cea de a doua in National Gallery din Londra. Cea mai veche este versiunea pariziana, datata intre 1483 si 1486, cealalta fiind cu un deceniu sau doua mai recenta.

“Fecioara intre stanci” [en: Virgin of the Rocks / Madonna of the Rocks; it: Vergine delle Rocce] a fost pictata de Leonardo in Milano, la comanda Fraternitatii Imaculatei Conceptiuni, pentru capela fraternitatii din biserica San Francesco Maggiore din Milano. Se considera ca initial pictura era partea centrala a unui triptic ce avea pe panourile laterale doi ingeri care cantau la instrumente muzicale, cele doua picturi fiind, de asemenea, in muzeul londonez National Art Gallery. Pictura propriuzisa a fost vanduta de biserica milaneza la sfarsitul secolului 18 si a fost cumparata de un pictor scotian care a adus-o in Marea Britanie. Dupa ce a trecut prin mai multe colectii, a fost cumparata de NG in 1880.
Existenta celor doua versiuni este legata, considera istoricii de arta, de faptul ca Leonardo a daruit primul exemplar al operei regelui Frantei. S-a creat astfel nevoia unei a doua versiuni pentru a o inlocui pe prima in capela din San Francesco Maggiore. Cea de a doua versiune (despre care nu se stie cu certitudine daca este lucrata complet de Leonardo sau acesta a avut doar interventii finale asupra unei picturi realizate de pictorii din atelierul sau) are insemnele sanctitatii mai prezente (nimbul sanctitatii), conducand spre ipoteza ca prima versiune nu a fost intrutotul apreciata de calugarii comanditari, fapt ce i-a permis lui Leonardo sa o doneze si sa o refaca. O alta versiune sustine ca opera nu a fost platita conform contractului, iar da Vinci a cerut medierea regelui Frantei, Lodovic al XII-lea. Acesta a intermediat conflictul si a primit prima versiune a lucrarii. Dupa rezolvarea conflictului, Leonardo a realizat cea de a doua versiune, mult mai canonica.
In centrul compozitiei este Fecioara Maria alaturi de Iisus copil, insotiti de Sf. Ioan Botezatorul si de ingerul Uriel. Tabloul abunda in simboluri religioase (apa din fundal ca simbol al botezului, plantele sunt alese pentru semnificatia lor simbolica etc.), ceea ce a permis foarte multe comentarii si interpretari, inclusiv cele din cartea “Codul lui DaVinci”.
Importanta tabloului este data de amplasarea subiectului in natura, aceasta nemaifiind practicata de la proto-renascentisti. Pictura lui Leonardo, desi nu cuprinde un peisaj propriuzis ci unul alegoric, aduce in plus fata de epocile anterioare legile perspectivei si acel sfumato, clar-obscur, care este conform cu legile opticii si confera veridicitate compozitiei. Pictura, desi nu foarte complexa compozitional, este una de mari dimensiuni.

Originalul operei „Fecioara intre stanci” / The Virgin of the Rocks, Panels from the S. Francesco Altarpiece, Milan se afla in National Gallery Londra, camera 57, “Pictura florentina” Link spre pagina oficiala a picturii pe siteul NG. Pe aceeasi pagina gasiti si linkuri spre tablourile cu ingeri muzicali care acompaniau pictura in versiunea originala.

Reproduceri dupa tablou – vanzari online:

 

„Galben Rosu Albastru ” de Vasili Kandinski

Considerat primul pictor abstract, Vasili Kandinski [Kandinsky] si-a legat numele de curente importante din arta secolului 20: expresionism, abstractism, conceptualism, deconstructivism. Opera “Galben, rosu, albastru” dateaza din perioada de varf a creatiei lui Kandinski, din 1925, si este considerata una de maturitate artistica. Pictura este astazi in colectia Muzeului de Arta Moderna din Centrul Pompidou, Paris, Franta. Ea este cunoscuta dupa numele original, in germana: Gelb-Rot-Blau
(Jaune-rouge-bleu (Yellow, red, blue)), datorat faptului ca tabloul a fost realizat la Weimar, in mai 1925.

Cod produs: ART063
Colectia: Picturi celebre

Originalul operei „Galben-rosu-albastru”

se afla in Muzeul National de Arta Moderna din Paris, Centre Pompidou, parte a colectiei donate de Nina Kandinski in 1976 Siteul muzeului

Artist: Vasili Kandinski

Data: 1925
Curentul artistic: pictura abstracta
Dimensiunile originalului : 128 x 201,5 cm
Materialele originalului: pictura in ulei pe panza.

Cumpara online reproduceri ale tabloului „Galben-rosu-albastru”, de Kandinski

 

„Dejunul canotierilor ” de Auguste Renoir

“Dejunul canotierilor” [fr. Le déjeuner des canotiers, eng. Luncheon of the Boating Party], de Pierre-Auguste Renoir [1881] este una dintre primele capodopere ale impresionismului si cea mai cunoscuta opera a lui Renoir

 

Renoir a inceput lucrul la „Dejunul canonierilor“ pornind de la o cronica negativa a lui Emile Zola care reprosa impresionismului o autosatisfactie si o lipsa a performantei artistice. Compozitia complexa a acestui tablou a fost, inca din proiect, o incercare a lui P-A Renoir de a demonstra ca impresionismul poate crea capodopere. Lucrarea a fost foarte bine primita de catre iubitorii de arta, intr-o perioada de maxima popularitate a impresionismului si, ulterior, a devenit piesa de temelie a celei mai importante colectii americane de arta impresionista, Phillips Memorial Gallery din Washington.
Pictura a fost realizata langa Paris, pe Sena in aval, la Maison Fournaise, un hotel-restaurant frecventat de impresionisti si de tinerii mondeni la sfarsitul secolului 19. Renoir a realizat aici mai multe picturi importante. Tabloul reprezinta un grup de vizitatori care iau dejunul pe terasa de la Maison Fournaise inainte de a iesi cu barcile pe rau.

Pentru alte informatii recomandam si pagina tabloului pe siteul oficial al Colectiei Phillips EN. Acelasi site ofera si o pagina in care sunt identificate si prezentate sub identitatea din viata reala personajele prezentate in tablou.

Originalul operei „Dejunul canonierilor”

se afla in Washington, in Colectia Phillips (muzeu privat cu regim deschis)

Artist: Pierre-Auguste Renoir

Data: 1880-1881
Curentul artistic: Impresionism
Dimensiunile originalului : 129.9 cm × 172.7 cm
Materialele originalului: pictura in ulei pe panza.